Каннский кинофестиваль: независимость, престиж и влияние на кинематограф

Каннский кинофестиваль, одно из самых престижных и влиятельных событий в мире кинематографа, имеет за плечами богатую и насыщенную историю, уходящую корнями в предвоенную Европу.

Зарождение идеи

Каннский фестиваль возник как реакция на первый значимый мировой кинофестиваль, проходивший в Венеции. Подъем фашизма в середине XX века оказал влияние на все аспекты общественной жизни, и кинематограф не стал исключением. С приходом к власти Муссолини, итальянский кинематограф, включая Венецианский фестиваль, стал инструментом фашистской пропаганды. В противовес этому, во Франции решили создать альтернативный праздник, где искусство было бы свободно от идеологического давления. Решающим моментом стало награждение профашистских фильмов «Олимпия» и «Пилот Лучано Серра» (фильм, удостоенный «Кубка Муссолини») в Венеции в 1938 году, что и ускорило подготовку к независимому Каннскому кинофестивалю, направленного на отделение политики от искусства, сообщает Forbes.

Отложенный старт

Афиша Каннского кинофестиваля 1939 года

Первоначально Канны были выбраны как место проведения праздника из-за своего живописного расположения на Французской Ривьере и существующей развитой инфраструктуры для туризма и проведения мероприятий.

Первое мероприятие, под председательством Луи Люмьера, одного из пионеров кинематографа, было запланировано на 1939 год, но начало Второй мировой помешало его проведению. Фактически Каннский кинофестиваль дебютировал только 20 сентября 1946 года, после окончания войны. В тщательно подготовленную программу вошли фильмы из разных стран, включая известные ленты, такие как «Горбун из Нотр-Дама» Уильяма Дитерле и «Волшебник страны Оз» Виктора Флеминга. Каннский кинофестиваль дебютировал лишь 20 сентября 1946 года, уже после окончания войны. Открывала фестивальную программу советская документальная картина «Берлин» режиссёра Юлия Райзмана, ознаменовав тем самым долгожданное начало этого престижного киносмотра.

Существовали и другие обстоятельства, которые препятствовали проведению мероприятия в Каннах. В 1948 и 1950 годах фестиваль не состоялся из-за финансовых трудностей. В 1968 году Франция столкнулась с социальным кризисом, что привело к отмене мероприятия в Каннах за несколько дней до его завершения.

Современный масштаб и статус ведущего мероприятия мировой киноиндустрии Каннского праздника приобрёл после 1951 года, когда председателем жюри стал Жан Кокто. Фестиваль приобрёл мировую известность и с 1952 года проводится ежегодно в мае.

Эволюция и влияние

Каннский кинофестиваль, 1947 год

На начальном этапе, Каннский кинофестиваль представлял собой мероприятие, ориентированное на ограниченный круг участников, с тенденцией к присуждению наград почти всем представленным фильмам. Однако, в 1950-е годы праздник приобрел мировую известность благодаря участию таких звезд, как Софи Лорен, Брижит Бардо, Грейс Келли, Ален Делон и Роми Шнайдер, что значительно повысило его престиж.

С течением времени трансформировалась и система наград такого мероприятия: помимо «Гран-при» были введены призы за лучшую мужскую и женскую роль, режиссуру, операторскую работу, сценарий, «Приз жюри» и «Золотая камера». С 1955 года главной наградой стала «Золотая пальмовая ветвь», ставшая символом Канн и представленная на городском гербе. В течение последних восемнадцати лет изготовление этого трофея доверено женевской мастерской Chopard, а его стоимость оценивается примерно в 20 000 евро.

«Золотая пальмовая ветвь»

В 1960-е годы в структуру фестиваля были внесены изменения, в частности, появились «Международная неделя кинокритики», «Две недели режиссера» и «Синефондасьон» (конкурс короткометражных фильмов). Со временем программа фестиваля расширилась за счет проектов и семинаров, предоставляющих профессионалам киноиндустрии возможности для обмена опытом и знаниями.

Ключевым этапом в истории Каннского фестиваля стал 1972 год, когда он получил независимость и право самостоятельно формировать конкурсную программу. Ранее отбор номинантов осуществлялся странами-производителями.

За свою историю праздник в Каннах превратился в одно из наиболее значимых событий в мире кино, ежегодно привлекающее около 35 000 гостей и более 4 000 журналистов, сообщает Forbes. Ключевой фигурой фестиваля является председатель жюри, который играет решающую роль в политических аспектах фестиваля и обладает правом повторного голосования. Соблюдение секретности при голосовании является важнейшим принципом: каждый член жюри подписывает соглашение о неразглашении информации. Председатели оценок тщательно ограждаются от любого внешнего влияния. На финальной церемонии награждения членов жюри доставляют в уединённое место, а в последнее время у них даже изымают мобильные телефоны, чтобы предотвратить утечку информации до официального объявления результатов.

Канны 2025

Председателем жюри 78-го Каннского кинофестиваля, который пройдет с 13 по 24 мая 2025 года, станет актриса Жюльет Бинош, сменив на этом посту американского режиссера Грету Гервиг.

Член жюри 2025 года Жюльет Бинош

За плечами Бинош – более 70 фильмов и 40 лет работы с выдающимися французскими и зарубежными режиссерами, такими как Михаэль Ханеке, Дэвид Кроненберг и Леос Каракс. Актрисе, дебютировавшей в Каннах в 1985 году, предстоит вручить «Золотую пальмовую ветвь» и другие награды, которые будут присуждены по итогам фестиваля. Состав жюри, которое будет работать вместе с Бинош, пока не объявлен.

«В 1985 году я впервые поднялась по ступеням Дворца фестиваля с энтузиазмом и переживаниями молодой актрисы. Я вообразить не могла, что через 40 лет вернусь в качестве председателя жюри» – Жюльет Бинош

Став председателем отборочного тура, Бинош стала третьей женщиной, занявшей эту должность, после Джейн Кэмпион (2014) и Греты Гервиг (2024). В 2010 году Жюльет Бинош также получила Каннский приз за лучшую женскую роль в фильме Аббаса Киаростами «Копия верна».

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?

В 2019 году на экраны вышел мини-сериал «Чернобыль» от HBO, снятый шведским режиссером Йоханом Ренком. Картина, посвященная катастрофе на Чернобыльской АЭС в 1986 году, привлекла внимание к трагедии и ее последствиям. Однако споры о том, насколько изображенное соответствует реальным событиям, продолжаются до сих пор.

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?
Валерий Легасов, химик-неорганик, очевидец последствий аварии на Чернобыльской АЭС

Согласно заявлениям создателя и сценариста Крейга Мейзина, опубликованным в журнале Variety, сериал вдохновлен свидетельствами очевидцев, участвовавших в устранении последствий аварии на Чернобыльской АЭС: министра строительства предприятий нефтяной и газовой промышленности СССР и ученого-химика, занимавшегося выяснением причин катастрофы. История, разворачивающаяся на экране, сконцентрирована на этих фигурах. Внимание к мельчайшим деталям в «Чернобыле» достигает практически маниакальной точности, особенно учитывая тот факт, что над созданием сериала работали люди, принадлежащие к иной культуре. Однако, некоторые аспекты картины вызывают сомнения как с точки зрения исторической правды, так и научной обоснованности.

В первых эпизодах сериала изображены жители Припяти, наблюдающие за ночным пожаром, в том числе семьи с детьми. Камера акцентирует внимание на радиоактивной пыли, оседающей на них. В действительности, большая часть населения узнала о случившемся на Чернобыльской АЭС лишь с наступлением утра. Вероятность того, что семьи, проживавшие в городе энергетиков, стали бы сознательно подвергать себя воздействию выбросов горящего реактора, представляется маловероятной.

Александр Великин, ликвидатор аварии: «Это, конечно, абсолютная чушь. Город Припять является городом атомщиков, там жили строители и работники атомной станции. Они понимали, что радоваться особо нечему. На улицу они могли вылезти, потому что не понимали, что творится – не было никакой информации».

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?
«Мост смерти», кадр из титров сериала

В одном из эпизодов сериала звучит заявление о том, что уровень радиации в Чернобыле превышал показатели в Хиросиме. При этом, Ян Хаверкамп, ведущий эксперт GreenPeace по ядерной энергетике, подчеркивает существенное различие между характером облучения в Хиросиме, вызванного непосредственным воздействием радиации, и чернобыльской катастрофой, где в атмосферу было выпущено значительное количество радиоактивных изотопов, охвативших обширные территории и воздействовавших на население в течение продолжительного времени. Важно отметить, что в сериале ошибочно упоминается ядерный взрыв, которого в действительности в Чернобыле не было. Ядерный взрыв в Хиросиме и тепловой взрыв на Чернобыльской АЭС представляют собой различные физические процессы, которые нельзя сравнивать напрямую. Единственным общим моментом в обеих ситуациях является высокий уровень радиации. Однако в Чернобыле радиационное загрязнение носило локальный характер, с отдельными участками максимально высокого уровня, обусловленного наличием облученных графитовых фрагментов реактора, разбросанных вокруг четвертого энергоблока.

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?
Тушение горящего реактора, кадр из сериала

Спорным представляется и эпизод, в котором, из-за отрицания масштаба трагедии, руководство, фактически, принуждает сотрудника подняться на охваченную огнем крышу якобы для выяснения причин взрыва.

Александр Великин, ликвидатор аварии: «Это выдумка. Что этот работник мог понять? Радиометр, позволяющий измерять уровень радиации свыше 200 рентген в час, был всего один, в штабе гражданской обороны, но он был закрыт, так что прибор достать не могли. На крышу посылали только пожарных, причем они были без специальных средств защиты. Еще, кстати, был один человек из военно-медицинской академии – майор или подполковник, которого обвесили датчиками и выпустили на крышу, чтобы он разведал, какую дозу радиации может получить личный состав».

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?
Водолазы, открывающие вентили, кадр из сериала

Во второй серии показано, как решают отправить троих людей откачивать воду. Хотя это задание было очень рискованным из-за сильной радиации, в сериале добровольцы находятся быстро. Этими людьми были Анатолий Ананенко, Борис Баранов и Валерий Беспалов, и им предстояло предотвратить возможный паровой взрыв в барботере, который находился в здании реактора. Считалось, что туда могло попасть расплавленное топливо. Хотя это было маловероятно, было решено устранить потенциальную угрозу. Трое работников АЭС, находясь по колено в радиоактивной воде, вошли в помещение, нашли нужные вентили, легко их открыли, обеспечив слив воды, и успешно вернулись. В сериале им пророчат скорую смерть: даже главе государства докладывают о необходимости «убить троих человек». На самом деле эти люди проявили героизм, выполняя опасную задачу, но их никто не отправлял на верную гибель. Позже они участвовали и в других работах по ликвидации аварии на ЧАЭС. Борис Баранов умер через 20 лет после тех событий, а Беспалов и Ананенко живы до сих пор.

Герман Белов, ликвидатор аварии: «Да, это правда. Героических поступков, вообще, хватало. Например, инженер Петр Паламарчук, который на себе вынес техника. Его послали посмотреть, что сзади блока разрушено, а он сознание потерял от облучения. Техник умер к утру, а Петр Романович потом около 20 операций перенес. Много таких историй было».

Сериал показывает сцену, где некое явление пугает горожан и представляется как признак крайне высокого уровня радиации в Припяти. Дятлов объясняет это «свечением Вавилова-Черенкова». Фактически, эффект Вавилова-Черенкова – это световое излучение, которое возникает в прозрачной среде, когда заряженная частица перемещается быстрее, чем свет в этой же среде. Такое свечение можно увидеть, например, в воде бассейнов на атомных электростанциях. Скорость света в воде меньше, чем в вакууме, поэтому энергичные электроны могут легко превысить этот порог. Однако в воздухе скорость света лишь немного ниже, чем в вакууме. Электроны с необходимой для этого энергией встречаются в космических лучах, а не в ядерных реакторах. Следовательно, воздух в Припяти не мог излучать свет, и, соответственно, этого не происходило.

Дмитрий Горчаков, физик-ядерщик: «Это ошибка. Свечение Вавилова–Черенкова чаще всего наблюдается в более плотной среде, например, голубой свет исходит из облученного ядерного топлива, которое хранится под водой. Мне такое приходилось видеть. Реальный Легасов в своих записях упоминал, что когда он пролетал на вертолете над реактором, видел свечение малинового света — это горел графит».

«Чернобыль» от HBO: правда или художественный вымысел?
Свечение Вавилова-Черенкова, реальное фото

Хронологические расхождения обнаруживаются в сцене с вертолетом, перевозившим смесь для тушения пожара. Несмотря на то, что сама трагедия действительно произошла в реальности, произошло это значительно позже, спустя несколько месяцев после аварии, а не на следующий день, как это показано в сериале. В фильме присутствует намек на то, что причиной падения вертолета стало чрезмерное облучение техники в результате приближения к реактору. Однако, в действительности, вертолет, участвовавший в ликвидации последствий, потерпел крушение из-за столкновения с тросом крана.

Виталий Карпинский, ветеран Смоленской АЭС, ликвидатор последствий аварии на ЧАЭС, участник пуска первого, второго и третьего блоков ЧАЭС после аварии: «В фильме вертолет врезается в кран в первые дни после аварии. Была такая история, но позже. Три огромных немецких крана высотой 120 м привезли на станцию в конце мая, чтобы строить саркофаг».

Несмотря на уважение к проделанной работе по воссозданию истории, в сериале есть заметные неточности в исторических фактах и технических деталях. Важно отметить, что сам сериал представляет собой художественное произведение, а не документальную хронику событий. Зрителям рекомендуется рассматривать его как отправную точку для более глубокого изучения истории трагедии на Чернобыльской АЭС, обращаясь к документальным источникам и научным исследованиям.

Муза и спасительница: троп «manic pixie dream girl» в кино

В романтических фильмах нередко можно увидеть яркую, необычную, эксцентричную девушку, знакомство с которой полностью меняет жизнь главного героя. Этот архетип персонажей называется Manic Pixie Dream Girl (MPDG). Встреча мужчины с такой девушкой обычно является завязкой сюжета, а конфликт в отношениях – кульминацией. Критики отмечают, что образ «маниакальной девушки-мечты» часто характеризуется упрощенностью и представляет собой проекцию мужских представлений о женственности, сводя роль персонажа только к инструменту развития основной сюжетной линии.

Появление термина. Первая «девушка-мечта»

В 2005 году вышел фильм Кэмерона Кроу «Элизабеттаун». По сюжету, дизайнер Дрю переживает кризис после смерти отца и находится практически в депрессивном состоянии. По пути в родной город, Элизабеттаун, он встречает стюардессу Клер (Кирстен Данст). Клер оказывает Дрю поддержку, дает свой номер телефона и помогает ему справиться с надвигающейся депрессией.

Клер из «Элизабеттаун», реж. Кэмерон Кроу, 2005 г.

Однако, в отличие от более сложных и проработанных персонажей, Клер лишена душевной динамики и внутренних конфликтов. Она существует лишь как «декорация» для душевных переживаний главного героя, что она сама признает, говоря: «Я на втором плане. Так проще…». Клер предстает перед зрителем как очаровательная блондинка. Ее образ дополняет постоянная улыбка и готовность прийти на помощь, что делает ее предельно «удобной» для главного героя.

После выхода этого фильма, кинокритик Нейтан Рейбин написал о нем эссе, в котором сформулировал термин MPDG, описывающий женского персонажа, чья роль сводится к поддержке и изменению жизни главного героя. В своей заметке «The Bataan Death March of Whimsy: Case File 1, Elizabethtown» он использовал этот ярлык для характеристики Клер, отметив, что такие персонажи лишены собственных целей и существуют исключительно для «воспитания» мужчины.

«Данст воплощает тип персонажа, который я люблю называть маниакальная девушка-мечта. MPDG существует исключительно в больном воображении чувствительных писателей-режиссёров, чтобы научить задумчиво-душевных молодых людей принимать жизнь с ее бесконечными тайнами и приключениями. Manic Pixie Dream Girl — это предложение по принципу „всё или ничего“. Зрители либо хотят немедленно жениться на ней (несмотря на то, что девушка-мечта, как вы знаете, является вымышленным персонажем), либо они хотят нанести тяжкие телесные повреждения им и их ближайшим родственникам». – Нейтан Рейбин

Изначально задуманный как негативный, термин MPDG со временем претерпел изменения в восприятии и стал применяться (часто некорректно) для обозначения любых эксцентричных женских персонажей в кино. Поэтому архетип до сих пор подвергается критике в сети, и его автор создал еще одну статью на эту тему, в которой извиняется за «создание» фразы «manic pixie dream girl», и еще раз подчеркивает, что этот троп — негативное явление в кинематографе.

«Но я должен прояснить несколько моментов. Троп «Manic Pixie Dream Girl» в основе своей сексистский, поскольку он заставляет женщин казаться не столько автономными, независимыми существами, сколько привлекательным реквизитом, помогающим хандрящим, грустным белым мужчинам самореализоваться».

Характерные черты: как понять, что героиня – manic pixie dream girl?

Архетип Manic Pixie Dream Girl (MPDG) представляет собой персонажа, легко узнаваемого по ряду характерных черт. Это привлекательная, но не демонстративно сексуальная девушка, выделяющаяся своим необычным стилем и «нетипичными» интересами, часто выходящими за рамки традиционных гендерных ролей. MPDG общительна, открыта и не боится показаться нелепой, проявляя непосредственность даже в самых неожиданных ситуациях. Именно она берет на себя инициативу в общении с главным героем, демонстрируя настойчивость и заинтересованность. Зачастую, MPDG обладает уникальным музыкальным вкусом и появляется в жизни мужчины, находящегося в состоянии депрессии, опустошенности или растерянности. Её задача — преобразить его мир, вырвать из рутины и показать новые перспективы.

Клер, «Элизабеттаун», реж. Кэмерон Кроу, 2005 г.

Самые яркие девушки мечты на экране

Одним из наиболее ярких примеров воплощения архетипа Manic Pixie Dream Girl можно считать героиню Саммер в фильме «500 дней лета» (2009), роль которой исполнила Зои Дешанель. Актриса передала все характерные черты MPDG: женственность, сочетающуюся с «мальчишескими» привычками, привлекательность, лишенную идеальности, странность, прямолинейность, бунтарский дух и обаяние. Хотя роль Саммер и выходит за рамки классического определения MPDG, она остается одним из самых запоминающихся и показательных примеров этого архетипа в современном кинематографе.

Том и Саммер, «500 дней лета», реж. Марк Уэбб, 2009 г.

Клементина из фильма «Вечное сияние чистого разума», сыгранная Кейт Уинслет, представляет собой еще один обсуждаемый пример Manic Pixie Dream Girl. Органично воплощая эксцентричность, Уинслет создает образ, который покоряет как зрителя, так и главного героя, меланхоличного Джоэла (Джим Керри). Клементина, с ее разноцветными волосами, импульсивностью и жизнерадостностью, является полной противоположностью опустошенному Джоэлу, и, на первый взгляд, идеально соответствует стереотипу «девушки-музы». Она учит его радоваться жизни и наслаждаться моментом. Однако, по мере развития сюжета, становится ясно, что за внешней веселостью скрываются и свои недостатки: меркантильность, иррациональность и импульсивность, которые герой, ослепленный образом «девушки мечты», не сразу замечает. Визуальный стиль Клементины, от яркой оранжевой толстовки, символизирующей ее энергию, до открытых нарядов, отражающих ее гнев и разочарование, и причесок, подчеркивающих ее капризность, создает многогранный и запоминающийся образ.

Джоел и Клементина, «Вечное сияние чистого разума», реж. Мишель Гондри, 2004 г.

Самый узнаваемый образ Manic Pixie Dream Girl в современной поп-культуре: Рамона Флауэрс из фильма «Скотт Пилигрим против всех». Однозначно назвать ее MPDG нельзя, но она подходит под многие критерии архетипа. С момента ее появления на экране, главный герой безоговорочно определяет ее как «девушку своей мечты». Рамона, безусловно, побуждает Скотта к моральному росту, однако ее собственный духовный прогресс остается за кадром. Визитной карточкой Рамоны являются ее волосы: короткая, бунтарская стрижка и постоянно меняющийся цвет, привлекающий внимание и выделяющий ее из толпы. Помимо этого, она обладает безупречным чувством стиля, предпочитая либо яркую, вызывающую одежду, либо интересные и стильные сочетания, которые подчеркивают ее «крутость» и неординарность. Как отмечает сам Скотт, Рамона «шальная, импульсивная, непредсказуемая…». Ради отношений с ней, герою пришлось сразиться со всеми ее “злыми бывшими”, что так же подчеркивает загадочность и «крутость» героини, за которую еще нужно побороться. Но это же ее и отличает от других MPDG и придает уникальность образу.

Скотт и Рамона, «Скотт Пилигрим против всех», реж. Эдгар Райт, 2010 г.

Нейросети в мультипликации: насколько удачным оказался Белорусский эксперимент?

В кинотеатрах Беларуси в январе 2025 года состоялась премьера анимационного полнометражного фильма «Беловежская пуща», произведенного студией Arteki. Данный проект заявлен как инновационный это первый в мире полнометражный мультфильм, в котором основную роль в формировании визуальной составляющей сыграл генеративный искусственный интеллект.

IT-компания X-Labs inc, специализирующаяся на разработке ПО на основе ИИ и расширенной реальности, разработала технологию генерации искусственного интеллекта. Именно с ее помощью был создан мультфильм «Беловежская пуща».

Разработка главных персонажей

Эта картина – комедийное приключение с фэнтезийными моментами, рассказывающее о товариществе, важности родственных связей и могуществе природы. В ленте можно увидеть национальный парк Беларуси, исчезающие виды животных и элементы белорусской самобытности. В Arteki подчеркивают, что монтаж, создание сценария и озвучивание мультфильма осуществлялись вручную. Однако ключевая часть – визуальное оформление – полностью создана с помощью нейронных сетей. В студии акцентируют внимание на том, что традиционное производство полнометражного анимационного проекта занимает от 2,5 до 6 лет, в то время как ИИ позволяет сократить этот период в 5-10 раз. Благодаря этой технологии создание подобного мультфильма занимает около полугода. «Беловежская Пуща» была создана в беспрецедентно короткий срок – всего за 2,5 месяца.

При создании визуальной части фильма было использовано около сотни различных нейросетей. Этот процесс включал в себя генерацию персонажей, создание фонов, анимацию движений и создание визуальных эффектов. На вопрос о том, сколько раз приходилось генерировать один и тот же кадр, прежде чем был получен подходящий результат, Любовь Арошидзе, аĸтриса озвучĸи, руĸоводитель отдела AI художниĸов Arteki, ответила: «Если в среднем, то около 20. Если не больше».

«Чтобы получить достойный кадр, нужно приложить немало усилий, потому что нейронные сети далеко не совершенны. Нам пришлось хорошо потрудиться, чтобы получить на выходе то, что у нас получилось». 

Работа над мультфильмом: этап монтажа

Вдохновением для музыкального сопровождения к мультфильму послужила одноименная композиция, написанная композитором Александрой Пахмутовой на стихи поэта Николая Добронравова. Об этом сообщил композитор, актёр озвучки, музыкальный исполнитель и один из авторов идеи, Никита Игнатенко, в преддверии закрытого показа мультфильма в Минске:

«Все, что вы слышите в мультфильме, на 99,9% написано людьми. На большую часть саундтрека нас вдохновила песня Александры Пахмутовой и Николая Добронравова «Беловежская пуща»».

Премьерный показ фильма сопровождался рядом мероприятий, направленных на привлечение внимания зрителей, особенно детской аудитории. В фойе кинотеатров были организованы тематические фотозоны, выставки книг, посвященных Беловежской пуще, и другие развлечения.

Аниматор, фотозона и тематические буклеты на премьере мультфильма

После первых показов зрители высказывали различные мнения о фильме. Некоторые высоко оценили новаторский подход к созданию анимации, музыкальное сопровождение и интересный сюжет. Другие отмечали недостатки в визуальной составляющей, связывая их с использованием искусственного интеллекта, а также критиковали недостаточно глубокую проработку характеров персонажей.

«Дебютный трейлер и закрытый показ в конце декабря 2024-но показали большой интерес к ИИ-анимации как среди белорусов, так и за рубежом среди аудитории в социальных сетях. Мы получили более 20 миллионов просмотров. Кто-то критиковал, кто-то, наоборот, с большим воодушевлением и интересом относился к трейлеру. Такой ажиотаж помог нам попасть на большие экраны», — представители студии «Артеки».

Фотозона на премьере мультфильма

Несмотря на неоднозначную реакцию публики, студия оценивает старт проката как успешный. По данным, предоставленным компанией, в первые выходные фильм посмотрели более 10 000 зрителей. Создатели «Беловежской пущи» надеются, что этот проект станет отправной точкой для дальнейшего развития технологий искусственного интеллекта в белорусской анимационной индустрии и позволит создавать более качественные и интересные фильмы в будущем. Они также планируют провести работу над ошибками, учитывая отзывы зрителей, и улучшить визуальную составляющую будущих проектов с использованием ИИ.

 

Амбассадор вампиров 100 лет спустя: Эволюция образа Дракулы от «‎Носферату» до… «‎Носферату»

Как именно персонаж, рожденный на страницах романа Брэма Стокера, попал на большой экран? И как из жуткого монстра граф Дракула превратился в привлекательного аристократа с аккуратной укладкой?

«‎Носферату, симфония ужаса» (1922): Рождение легенды (и её проблемы с авторскими правами)

Далеко не все кинематографические воплощения графа Дракулы носили это имя. Например, немецкие кинематографисты, создавшие первую успешную адаптацию романа Брэма Стокера, не смогли получить лицензию на использование произведения. Поэтому персонаж немого кино Фридриха Мурнау получил имя граф Орлок. Тем не менее, это был безошибочно узнаваемый Дракула из романа Стокера, хотя и с некоторыми отличиями: он не отражался в зеркалах и погибал от солнечного света. Светобоязнь впоследствии стала неотъемлемой чертой образа Дракулы в кино, хотя в оригинальном произведении Стокера вампир без проблем перемещался под солнцем.

Граф Орлок, «Носферату, симфония ужаса» (1922)
Кадр из фильма в негативе. Лошади перед съемкой были специально покрашены в белый цвет, чтобы при инверсии стать черными.

Для создания гнетущей атмосферы, Мурнау прибег к ряду новаторских кинематографических техник.Он использовал динамичное, ускоренное движение, создающее ощущение надвигающейся тревоги. Контрастные сочетания света и тени в этом фильме так выразительны, что создают эффект отдельных действующих персонажей на экране. В одной из сцен Мурнау даже задействовал негативное изображение, создав неожиданный сюрреалистический кадр. При съемке сцен на открытом воздухе, режиссёр намеренно избегал павильонных съёмок, популярных в то время, и использовал натуральные локации.

Именно в «‎Носферату» мы впервые увидели вампира, который не был просто человеком с клыками. Граф Орлок – это чудовище с крысиными зубами, заостренными ушами и когтями, сгорбленной фигурой и бледной кожей, покрытой морщинами. Он скорее напоминает воплощение болезни, чуму, а не привычного викторианского аристократа.

От «Дракулы» 1931 года до Кристофера Ли: Эпоха Голливудского Гламура и Мрачного Обаяния

Почти десятилетие спустя, в 1931 году, на экраны выходит «‎Дракула» Тода Броунинга с Белой Лугоши в главной роли. Это был первый голливудский «‎Дракула», и он кардинально отличался от своего предшественника.

«Дракула» (1931)

Экранизация «‎Дракулы» Тода Браунинга представляет собой адаптацию популярной театральной постановки 1924 года, которая, в свою очередь, была частично вдохновлена романом Стокера. В главной роли – венгерский актёр Бела Лугоши, уже завоевавший признание как эталонный исполнитель роли Дракулы на Бродвее. Примечательно, что этот актёр практически не прибегал к гриму: перед зрителями предстает статный брюнет высокого роста, обладающий гипнотическим взглядом и изысканными манерами, который с лёгкостью вписывается в высшее общество Лондона.

Плащ Дракулы

Зритель даже не видит фирменных клыков Дракулы. Зато его английская речь сопровождается выраженным восточноевропейским акцентом, а гардероб вызывает восхищение: фрак, плащ-накидка, который он взмахом рук превращает в подобие крыльев летучей мыши, орден в форме шестиконечной звезды на шее (студия Universal вдохновлялась орденами Османской империи и Королевства Афганистан), накрахмаленный белый воротник рубашки — все эти детали формируют канонический образ графа Дракулы. Именно он закрепился в массовом сознании как канонический. Коммерческий успех картины дал старт серии тематических продолжений.

Затем наступила эпоха Кристофера Ли, который играл Дракулу в серии фильмов студии «‎Hammer» с конца 50-х по 70-е годы. Приступая к созданию своего образа, Кристофер Ли сознательно избегал знакомства с предыдущими экранными интерпретациями, стремясь сохранить творческую свободу и независимость мышления. Однако, он внимательно изучил литературный первоисточник.

Кристофер Ли в образе Дракулы, 1958

«‎Я старался показать персонажа таким, каким он был в книге — героическим, романтическим, эротическим, захватывающим и динамичным»

Кристофер Ли в образе Дракулы, 1958

В черном плаще с алой подкладкой Кристофер Ли демонстрирует вампирские клыки, а также алые глаза и зловещее шипение. Он наполнил свою интерпретацию образа более выраженным эротизмом, так как считал, что взаимоотношения вампира и его жертв можно рассматривать как иллюстрацию полного подчинения женской воли мужской власти. Кроме внешних проявлений, Ли также стремился обогатить интерпретацию внутренних переживаний своего героя: Дракула, по его мнению, обречен не только на бессмертие, но и на горечь вечного одиночества. Став одной из ведущих звезд студии Hammer, Кристофер Ли воплотил образ Дракулы девять раз, установив пока непревзойденный рекорд.

Дракула стал более физически сильным и агрессивным. Он не стеснялся демонстрировать свою кровожадность, но при этом сохранял свою аристократическую манеру. Ли создал образ Дракулы, одновременно пугающего и притягательного, совместив черты благородного аристократа и пугающей нежити.

100 Лет Дракулы в кино: «‎Носферату» 2024

И вот, спустя почти сто лет – на экранах снова «‎Носферату». Роберт Эггерс, режиссёр хорроров «‎Ведьма» и «‎Маяк», неоднократно выражал своё восхищение картиной Мурнау. Ещё в юности он был глубоко увлечён этой историей, и даже руководил школьной театральной интерпретацией «‎Носферату». В интервью британскому журналу SFX режиссер отметил, что испытывает отторжение к образам благородных, меланхоличных и сексуальных вампиров, поэтому его Орлок – это демон и воплощение чистого, абсолютного зла.

Носферату 2024

Тем не менее, Билл Скарсгард, исполнитель роли вампира, сумел убедить режиссёра добавить в характер его персонажа моменты некоторой уязвимости. Эггерс согласился и позднее признал, что не пожалел о своём компромиссе со Скарсгардом. По словам постановщика, финал фильма стал намного более мощным именно благодаря тонкому чутью актёра, который, тем не менее, не отошёл от образа величественного, ужасающего вампира.

Эггерс считает, что после Эдварда Каллена (персонажа Роберта Паттинсона из вампирской киносаги «‎Сумерки») мир вампиров перестал быть по-настоящему страшным. Поэтому, он решил обратиться к народному фольклору, созданному людьми, верившими в реальность существования этих существ.

«‎Как и все мои проекты, работа над «‎Носферату» началась с тщательного ресерча. Согласно раннему балто-славянскому фольклору, вампиры того периода — это отвратительные, полуразложившиеся, изъеденные личинками трупы, что я нашел увлекательным, ибо это напоминает современные представления о зомби в кино. Поэтому вопрос возник практически сразу: «Каков был бы реальный облик мёртвого аристократа из Трансильвании?»